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domingo, 3 de abril de 2016

El filtro polarizador, herramienta insustituible



El filtro polarizador permite solo el paso de las ondas de Luz que esten alineadas a un plano de polarización u otro conforme se gira es por ello que es un elemento indispensable para disminuir los reflejos de la luz sobre algunas superficies


En el mundo de la fotografía de hoy en día es posible imitar casi cualquier filtro y hacer un sinfín de efectos digitales por medio de un software como Photoshop o Lightroom. Pero la era de los filtros análogos aún está viva; sin duda, el que no han podido imitar al cien por ciento es el polarizador. Pero, ¿para qué sirve? ¿Qué ventajas le da al fotógrafo? ¿Se puede convertir en su compañero imprescindible?
Para entender el modo en que funciona este pequeño, hay que saber un poco sobre la naturaleza de la luz, que se desplaza en línea recta y viaja en infinidad de planos en torno a un eje. Cada uno de ellos es un plano de polarización, y lo que hace nuestro filtro es atrapar uno solo o quedarse con un rango muy estrecho; funciona como una rejilla por la que únicamente pasan las ondas que estén alineadas a ésta, por ello, podemos ver un plano de polarización u otro conforme lo vamos girando.
Sus funciones principales son disminuir los reflejos de la luz sobre algunas superficies y hacer los colores más intensos, sobre todo los tonos verdes de las plantas y los cielos azules, que se vuelven mucho más dramáticos, por lo que este filtro es el aditamento ideal para cuando salimos a fotografiar paisajes.

Si lo que queremos es fotografiar un lago, una alberca o un mar y tenemos la luz a nuestra espalda para eliminar el reflejo molesto de la superficie debemos colocarnos a un angulo de 45 grados de la superficie y girar poco a poco el filtro hasta que el reflejo desaparezca

Cuando estamos ante una superficie como agua, vidrio o acrílico (salvo metales) con reflejos, éstos son ocasionados por luz parcialmente polarizada, entonces, si giramos el filtro polarizador de forma adecuada nos quedaremos con un sólo plano de polarización y reduciremos o eliminaremos dichos reflejos, lo que es una gran ventaja al fotografiar vitrinas, escaparates o autos.
Sin embargo, el efecto que produce el polarizador no siempre es el mismo porque varía de acuerdo con el ángulo en que se tome la foto respecto de la fuente de luz, y del ajuste que se le dé al rotarlo, ya que al ser un filtro giratorio, al hacerlo girar también podemos cambiar la intensidad del efecto.
Hay que tomar en cuenta que el filtro elimina luz, esto significa que también afecta a la exposición, lo cual varía de acuerdo con el ángulo de giro, con lo que podemos restar hasta dos diafragmas, según los valores de exposición que estemos manejando.
Tipos de filtros polarizadores

Existen varios tipos de filtros polarizadores, pero entre los más conocidos se encuentran:

• El polarizador circular estándar con montura clásica.
• El polarizador con montura slim, cuyo fino diseño es ideal para objetivos angulares porque reduce el riesgo de viñetado en las esquinas.
• El polarizador con multirrevestimiento MRC, tanto con montura estándar como slim, cuya superficie repele más la suciedad, la humedad y las gotas de agua, además de que es más resistente a los rayones.
• El polarizador circular no debe su nombre a su forma, sino al modo en que funciona, y éste es el que debes comprar si trabajas con una cámara réflex digital, ya que en éstas tanto el exposímetro como el autofoco se ven afectados por la polarización de la luz y podríamos tener fotos mal expuestas o desenfocadas si no usamos este tipo de filtro.
• El filtro polarizador lineal es el que se usaba normalmente para las cámaras réflex análogas.

Hacer cielos más intensos
Podemos hacer los cielos de nuestros paisajes más intensos, pero considera que no siempre se logran los mismos resultados porque depende tanto de la habilidad del fotógrafo como de las condiciones de luz. Primero, olvídate de disparar totalmente de frente o de espaldas al sol. Posiciónate de manera de que el sol quede justo al lado tuyo, que el objetivo apunte de modo perpendicular a su trayectoria y ve girando el filtro poco a poco hasta lograr el efecto deseado.

Quitar reflejos del agua o de un cristal
Cuando intentamos tomar una foto de algo cubierto por un cristal y tenemos luz a nuestra espalda nos encontraremos con un molesto reflejo en la superficie. Para eliminarlo colócate en un ángulo de unos 45˚ grados de la superficie (nunca exactamente enfrente). A continuación, mira por el visor y gira el filtro poco a poco para que el reflejo desaparezca.
Si lo que queremos fotografiar es, por ejemplo, un lago, un paisaje urbano con un charco o una alberca, tenemos que hacer lo mismo que en el caso de la vitrina, sólo que aquí ya nos encontramos a cierto ángulo de la superficie.

Para aumentar el contraste y la saturación
Esta es la función más sencilla del filtro polarizador. Solamente debes girarlo mientas observas a través del visor de la cámara hasta que la imagen adquiera el aspecto que más te convenza.
Este efecto es muy útil para hacer nubes más rechonchas o para resaltar el color de las plantas, aunque en ocasiones te verás obligado a elegir entre un cielo increíble, el agua sin reflejos o una vegetación de vivísimos colores.
De este modo podemos sacar gran provecho del filtro polarizador y convertirlo en nuestro compañero inseparable. Experimenta con él y dedícale tiempo. Seguramente te dará más de una sorpresa.

Cosa de niños, consejos prácticos para la fotografía infantil



Decir que algo es “cosa de niños” no siempre significa que será sencillo, y la fotografía infantil es un vivo ejemplo de ello.


Como modelos, los niños son los más fotogénicos, pero también los más difíciles. Si eres muy paciente, te encantan y además te llevas excelentemente con ellos, ya has recorrido una buena parte del camino. De no ser así, te recomiendo que de todos modos te aventures a fotografiar críos, la experiencia te enriquecerá mucho más a ti que a ellos, y ni hablar de la satisfacción de comenzar a lograr buenos resultados. Para lograrlo, a continuación te daremos algunos trucos.

Elige la locación y estúdiala
No dejes el escenario a la suerte. Busca espacios fotogénicos en los que los niños se la puedan pasar bien: un jardín o un bosque lleno de flores, el mar, un cuarto de juegos, incluso si se trata de un estudio, éste debe estar acondicionado para que ellos se sientan cómodos.
Calcula a qué hora la iluminación será más idónea, dónde puedes colocar tus fuentes de iluminación, cuáles serán los mejores fondos o cuáles deberás desenfocar para que no distraigan la atención de tu modelo.

Modos de disparo
La mayoría de los niños se mueven sin cesar y pueden tenerte persiguiéndolos con la cámara durante horas hasta que logres tomar una buena foto; es, indiscutiblemente, fotografía de acción. Por ello, muchas veces lo más conveniente es usar el modo con prioridad velocidad para que puedas asegurar que tus tomas no salgan movidas.
Otra opción es disparar en ráfaga. Sobre todo en momentos en los que la acción se está dando muy deprisa y tienes buenas oportunidades de tomas. Sin embargo, no es recomendable hacer toda la sesión en esta modalidad porque al final tendrás una cantidad enorme de material que te quitará mucho tiempo, te saturará de información y te restará capacidad crítica al momento de la postproducción.

Usa el objetivo adecuado
En retrato, las mejores tomas se logran acercándose al modelo. De preferencia utiliza un lente de 50 mm y evita los teleobjetivos o los objetivos zoom, a menos de que sea absolutamente necesario para preservar la naturalidad de la escena, pero ten en cuenta que en ese caso necesitarás de un espacio de acción mayor. En este caso, procura no usar un objetivo mayor a un 70-200 mm.
Usa objetivos que tengan una gran apertura de diafragma, de preferencia entre un f/1.8 y un f/1.4. Esto facilitará una mayor entrada de luz y hará menos necesario el uso de flash o de luces muy fuertes, además de que te permitirá desenfocar los fondos con mayor facilidad. Recuerda: a mayor apertura del diafragma, menor profundidad de campo.

Camúflate
Usa indumentaria que no los intimide y vístete cómodamente. De ser posible, disfraza tu cámara fotográfica: conviértela en algún personaje gracioso, cúbrela con una especie de títere o hazle una máscara divertida; eso, además de atraer la atención de tus modelos, hará que se sientan más cómodos.

Gánate su confianza y ponte a su altura
Lo primero que debes hacer cuando vas a fotografiar un niño, sobre todo si éste no es cercano a ti, es ganarte su confianza y atraer su atención. Echa mano de tu encanto, haz algo cómico, cuéntale una historia, imita algún ruido, y una vez que lo conseguiste, acércate y pídele que haga determinadas cosas o que posen de determinadas maneras para que la sesión fotográfica parezca un juego.
Por más alto o bajito que sea el modelo, el fotógrafo siempre deberá buscar estar a su altura y mantener la cámara al nivel de los ojos del sujeto. Obviamente existen excepciones y puedes tomar excelentes picados y contrapicados, pero deberás mostrar que el resultado no fue por un simple descuido o flojera de agacharte.

Déjalos ser
Habrá niños que cooperarán contigo (aunque sea por periodos de cinco minutos), pero deberás prepararte para el peor de los casos: cuando el modelo es muy inquieto y parece estar decidido a volverte loco.
No sufras, relájate y déjalos ser, jugar y divertirse, sin risas forzadas ni poses acartonadas.

No te limites a las sonrisas
Las sonrisas de los niños son hermosas, pero no todo es sonrisas, su carácter tiene mucho más facetas. No desperdicies la oportunidad y también dispara si tu modelo llora, se enoja, frunce el seño, se sorprende, grita, se aburre, está concentrado, etc. Todos estos aspectos también forman parte de su personalidad.

Muévete y anticipa
Una buena sesión fotográfica con niños no se logra sentándose en un banco a esperar que se acomoden para ti. Tendrás que moverte alrededor suyo, hincarte, acostarte en el piso, acercarte, alejarte, además de estudiar su rostro y las reacciones que tienen hacia determinados estímulos. Prueba diferentes planos, incluidos los close ups y las tomas de detalles.

Ten un asistente
La ayuda es invaluable. Tú no puedes hacer todo: tomarles fotos, llamar su atención, divertirlos, atenderlos, vigilar que no tengan un accidente. Además, cuando trabajas con niños, es importante estar al tanto de sus necesidades, tu ayudante podrá encargarse de que no pasen hambre, sed o frío.

Entretenlos con algo
Deberás tener algo para entretenerlos y captar su atención con algún detalle que los incentive o algún juguete, como pelotas, globos, muñecos, carritos, burbujas de jabón, disfraces, serpentinas, e incluso, su mascota (aunque en este caso el nivel de dificultad aumenta cinco rayitas).

 No te encasilles
Juega con tus opciones, experimenta e inventa escenas, puedes recrear personajes, contar historias a través de secuencias, disfrazarlos, hacer collages de gestos, componer imágenes múltiples, hacer fiesta de espuma o con burbujas de jabón, jugar a las escondidas, jugar en el agua, o simplemente retratarlos en alguna actividad como cocinar, dibujar, modelar figuras con barro, etc., el límite está en tu creatividad.

Después de la sesión
Selecciona las fotografías que sirven y borra el resto, no te quedes con las repetidas porque sólo te quitan espacio y tiempo. Esta criba cuesta trabajo al principio, pero con el tiempo adquirirás mejor ojo y serás más objetivo con tu trabajo.
Si tus tomas estuvieron bien planeadas, lo más probable es que no tengas muchos problemas de iluminación, encuadre, saturación, etc. La mejor sesión fotográfica es la que nos consume el menor tiempo en postproducción. Después de corregir los detalles estarás listo para armar tu álbum, imprimir o enviar tus fotos.

Ahora lo único que queda es poner estos consejos en práctica y comenzar a sacar fotos increíbles de niños.

lunes, 28 de marzo de 2016

Bon appetit! La fotografía de alimentos


Durante siglos el hombre comía por lo que olía y después, por lo que veía. Después, aparecieron los restaurantes con menúes de diferente factura, desde el restaurante de un solo platillo referido en un anuncio en una tabla, hasta los restaurantes con mayor variedad de opciones y precio en un menú. A la aparición de fotos en los menús, la mecánica de selección de platillos cambió abruptamente: el platillo comenzó a elegirse por su apariencia.

Mucho se ha debatido sobre cuál es la mejor técnica para la fotografía de alimentos. Algunos escenarios y fondos se han convertido en un cliché. La tarea como fotógrafos sería recapitular e innovar el concepto. Ángulos, tonos, luz: ese es nuestro reto. Pero para innovar, también hay que tener en cuenta algunos consejos:

Naturalidad contra artificio

Lo importante es enfatizar el objetivo principal: la comida. Evita platos o recipientes con diseños o texturas que distraigan o que no vayan con el tipo de alimento a fotografiar: un mole verde va mejor un plato de barro y no en una vajilla china, por ejemplo. Para ello es necesario conocer los orígenes culturales de cada platillo y obrar en consecuencia al preparar la escena. Lo natural siempre nos llevará a una consecuencia lógica. El artificio siempre nos tenderá trampas.

El momento de verter una salsa, una sopa en un plato o llenar una taza de café humeante puede ser hipnotizante. Eso es un gran punto a considerar. Es aconsejable preparar toda la puesta en escena antes de servir el platillo.

¿Debe estar recién preparado? En la medida de lo posible, sí. La comida caliente pierde textura y brillo si se enfría, y se nota. Lo mismo para los platillos que se deben servir fríos. La foto en HD no miente y la honestidad se agradece al momento de ver el producto terminado.

Sé creativo
Toma las fotos desde diferentes encuadres. Busca diversas opciones y puntos de vista, gira el plato, busca el lado favorable del platillo. Emplaza el objeto y busca ángulos hasta el cansancio hasta lograr el mejor encuadre. Los planos cerrados dan una sensación de cercanía y complicidad.

Otra opción es tomar las fotos como si fueras el comensal. Siéntate a la mesa y mira el platillo “con ojos de hambre”. Que la foto sea realmente una tentación. Las fotos no tienen aroma, pero la intención sí se puede manipular. Es comida que “entra por la mirada”.

Considera la utilización del principio de los tercios para la realización de la foto colocando los platos armónicamente en la trama horizontal y los vasos, tazas o botellas en la vertical. O bien, una sección áurea. O cualquier otro principio ordenador. Esto es particularmente útil en las tomas cenitales.

Si vas a hacer las fotos en un ambiente natural y cuentas con equipo de iluminación, no dudes en llevarlo. Recuerda que debes tener una luz principal y una complementaria.

La luz
Algunos prefieren usar luz natural para platillos como desayunos y productos del mar. Pero hay que ser cuidadoso para que no se formen sombras muy fuertes. Controla la luz con filtros manuales, mantas, rebotadores, bloques de poliestireno expandido (unicel) y todo lo que se te ocurra.

Busca que la comida luzca luminosa, llena de energía, sobre todo los desayunos y las comidas, particularmente las frutas, helados y los productos del mar. Quesos, vinos y panes de fuerte sabor y consistencia son otra cosa; esos nos llevan a un ambiente de luz más tenue, como una hostería.

Las comidas rápidas siempre se capturan con luz artificial intensa. El colocar la cámara al ras del plato le da una sensación de abundancia.

Si vas a hacer las fotos en un ambiente natural y cuentas con equipo de iluminación, no dudes en llevarlo. Recuerda que debes tener una luz principal, que será la más intensa y la que ilumine la parte más importante o apetitosa del platillo, pero además debes tener, como mínimo, una luz complementaria o de relleno, la cual será menos fuerte y te ayudará a eliminar las sombras y a darle volumen al platillo.

Nitidez y profundidad de campo
El uso de diafragma abierto nos ayuda a enfocarnos en lo sustancial y desenfocar el entorno. El fondo puede ser un aliado –si enmarca y no distrae– o puede sabotearnos el cuadro.

Es preferible usar velocidades altas para evitar que el elemento fotografiado salga movido. Usemos un tripié para controlar la toma y asegurar la nitidez de la imagen, sobre todo cuando tengas que usar velocidades menores a 1/60.

Hazlos más apetitosos
Ciertos platillos deben ser mostrados a medias del proceso. Por ejemplo, las ensaladas se capturan sin aderezarse y los aderezos de presentan en una fuente adyacente al plato para que los alimentos no pierdan lozanía.

Las gelatinas pueden mojarse con algo de agua durante la sesión. Eso aumentará su atractivo. Las carnes, pueden presentarse a término medio o casi crudas, para que no pierdan su brillantez. Lo mismo sucede con ciertos tipos de pescados y frutos del mar.

Muchos de los platillos fotografiados pueden no ser del todo comestibles, pero eso sólo lo sabemos nosotros: los helados suelen ser de puré de papa barnizado, la crema batida será espuma de afeitar, y las gotitas de rocío en la fruta o el sudor de una botella que aparenta estar helada puede ser glicerina aplicada con un atomizador.

Bebidas
Los vinos son complicados de capturar. La tarea consiste en que en la imagen se perciba el cuerpo y el color. Nunca uses copas de baja calidad porque abaratarás la toma. Cuida la luz de tus flashes, buscando que sea rebotada para evitar los destellos en la cristalería.

El café es otro cantar. Casi siempre, el protagonista de la foto no es el café, sino la taza. Y casi nunca va solo. Siempre va bien acompañado junto a una galleta, un pan o un pastel.

Para que la cerveza se vea impecable, la luz intensa es recomendada para la clara, y para la oscura, un ambiente de media luz. No dudes en componer las escenas con algún platillo que maride con la cerveza al fondo, con un desenfoque razonable.

A las bebidas que requieren espuma, como el chocolate, o ciertos helados y pudines, se les puede agregar un poco –muy poco– detergente para lograr la espuma consistente por largo tiempo.

La paradoja de los restaurantes históricos –como el legendario Maxim’s de París– es que la comida siempre fue el gran atractivo y nunca dependió de una imagen. Los tiempos cambiaron y la economía de grandes corporativos depende mucho de las imágenes. No dejo de pensar en que haría Hercule Poirot (el legendario detective creado por Agatha Christie, que tenía por costumbre, si la comida era de su agrado, llevarse consigo el menú del restaurante que visitaba y agregarlo a su vasta colección) de haber existido las fotografías de alta definición en su momento. Vivimos tiempos visuales. Nunca antes tuvimos tantos recursos como ahora. Es hora de hacer goce y disfrute de ellos a plenitud. Bon appetit !

domingo, 27 de marzo de 2016

Domina el balance de blancos en las fotografías

A todos nos ha pasado alguna vez que una fotografía sale con tonalidades distintas a las que veíamos al momento de realizar la toma. Conozca cómo ajustar el balance de blancos para controlar estas condiciones.

Muchas veces, el accidente resulta afortunado y hasta nos congratulamos por haber logrado una imagen cálida, tirando al amarillo o a tonos rojizos, azules o hasta verdes. Incluso, con el uso de programas y aplicaciones que nos permiten añadir distintos filtros de color y efectos a nuestras tomas podemos justificar un tono ictérico diciendo que en realidad realizamos una “intervención artística”.
Seamos honestos: lo más probable es que se nos pasó ajustar el balance de blancos (WB) o no supimos cómo hacerlo. Pero no es tan grave; si sucedió eso fue porque probablemente hicimos la toma en modo manual, lo que denota entusiasmo por la fotografía profesional y la técnica fotográfica. Por ello, en esta ocasión, hablaremos de qué es el balance de blancos y cómo manejarlo.

El color en la fotografía
Lo primero que debemos tener en cuenta es que en fotografía, el color depende de la calidad de la luz (natural o artificial) que ilumina nuestro objeto. En el caso de la luz natural, no es lo mismo realizar la toma un mediodía soleado, que una tarde nublada. Igual pasa si estamos a la luz de una fogata o utilizando algún tipo de lámpara.
Las distintas fuentes de luz tienen dominantes o “temperaturas” de color que se miden en grados Kelvin, y en cualquier situación podemos sacar ventaja de la función WB de nuestra cámara para controlarlas en nuestras imágenes.

Temperatura de color
Durante el día, tenemos diferentes dominantes de color de acuerdo con la hora. Por ejemplo, la “hora azul” ocurre justo cuando acaba de salir el sol y cuando está a punto de ponerse o escondiéndose en el horizonte. Tiene dominantes azules que, por lo regular, favorecen mucho las tomas, tanto por las tonalidades que se logran, como por el tipo de sombras que se proyectan; lo mismo puede pasar en días nublados o con sombra. Al mediodía solemos tener una luz blanca, de unos 5,500° K; los atardeceres, en cambio, suelen tener dominantes anaranjadas o rojizas.
En el siguiente gráfico podemos observar las temperaturas de color de distintas fuentes luminosas.

Pensar al revés
¿Cómo funciona el WB de nuestra cámara? Para entenderlo, primero tenemos que comenzar a pensar a la inversa del gráfico que nos muestra las temperaturas de color; es decir que cuando deseemos hacer más cálida una toma, debemos aumentar la temperatura a unos 8,000 o 9,000° K (como la del cielo azul o parcialmente nublado); por el contrario, si queremos que una imagen luzca más fría, debemos bajar la temperatura hacia los 1,000 o 2,000° K (como un atardecer o la luz de las velas). Si lo que deseamos es que la fotografía no tenga ningún ajuste, lo mejor es usar unos 5,500° K.

El balance de blancos no sólo es un recurso para corregir las predominantes de color. Si se usa de forma creativa, también puede ayudarnos a lograr ambientes y efectos en la toma.

Opciones predeterminadas
Pero, a veces no tenemos tiempo ni paciencia para estar calculando cuál será la temperatura de color en determinadas situaciones, y para ello, las cámaras ya cuentan con algunas opciones. Las más frecuentes son las del siguiente gráfico:

Las funciones de sombra y nublado eliminarán las dominantes azules para hacer que la imagen luzca más cálida.

• Las de luz de día y la de flash utilizan una temperatura de 5,500° K, lo que quiere decir que no realizan ningún ajuste.

• Las de luz fluorescente blanca y la lámpara de tungsteno (o incandescente) suelen usarse en espacios iluminados por bombillas potentes y eliminan los tonos rojos de las imágenes.

Las funciones anteriores suelen ser mejores que el automático, aunque en ocasiones nos seguiremos topando con problemas con los términos medios de temperatura de color, por ejemplo, en un amanecer o un atardecer, cuando hay modificaciones en la luz que, al sernos tan cotidianas, no notamos fácilmente. En estos casos, lo mejor es usar la función manual.

Balance de blancos manual
La función del ajuste de blancos personalizado nos permite establecer de forma más controlada y fina qué valor de blanco deseamos. Para realizar el ajuste necesitamos llevar con nosotros una hoja de cartulina blanca o gris medio, la cual usaremos para calibrar la cámara cada vez que nos enfrentemos a condiciones de luz diferentes.
En caso de no llevar la hoja blanca, basta con buscar y enfocar un objeto de color blanco y pulsar el botón de calibración de blancos. Así, la ganancia de las tres dominantes de color (rojo, verde y azul) se ajustará para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de iluminación, con lo que obtendremos imágenes con colores muy similares a los reales.

Corrección con software
Si la técnica nos falló, no todo está perdido, hay distintos softwares que serán nuestro salvavidas: los más comunes son Photoshop y Lightroom.
Con la herramienta “Curvas” de Photoshop, deberás añadir una nueva capa de ajuste a la imagen siguiendo la ruta: Capa > Nueva capa de ajuste > curvas. En la pestaña de “Ajustes” se abre un histograma y en la parte superior izquierda verás un desplegable con los distintos canales de color (rojo, verde y azul).

Para ajustar el balance de blancos tendrás que mover hacia arriba o hacia abajo la línea transversal del color que sea necesario hasta llegar al tono deseado. En ocasiones tendrás que hacer ajustes en los tres colores.

Otra opción para hacerlo desde Photoshop es mediante la ventana de niveles, en la que podrás mover los manejadores de cada color. Este método es más sencillo, pero implica pérdida en la calidad de la imagen.

Finalmente, si decidiste manipular la foto con Lightroom, el procedimiento es aún más fácil. Basta con ubicarte en la pestaña de “Revelar”, seleccionar el “Cuentagotas” que se encuentra en la parte superior del menú lateral derecho en la pestaña de “Básicos” y hacer clic en el punto que creas que debe tener el tono más blanco. Si no te convence el resultado, inténtalo en otro punto, o hazlo mediante los manejadores de temperatura y matiz ubicados junto al Cuentagotas.
Ya no hay pretexto, de ahora en adelante si tus fotografías tienen alguna dominante de color será porque tú así lo decidiste y no de chiripazo. La perfección se logra con práctica, con prueba y error y, sobre todo, con una visión clara de qué quieres lograr y cómo vas a hacerlo. Así que ¡adelante! Lánzate a hacer nuevas tomas y a experimentar con el color.

domingo, 6 de diciembre de 2015

5 ejercicios para lograr una gran técnica

LOGRAR UNA BUENA TÉCNICA FOTOGRÁFICA NO ES COSA DE MAGIA, EL TALENTO DEBE VENIR ACOMPAÑADO DE MUCHA PRÁCTICA Y ESTUDIO. AQUI TEDAMOS 5 EJERCICIOS QUE TE AYUDARÁN A MEJORAR TUS TOMAS Y LOGRAR MEJORES RESULTADOS



En fotografía, el dicho de “la práctica hace al maestro” es uno de los principios más fehacientes. Por más que leas sobre el tema, veas el trabajo de otros, entiendas la teoría o visites numerosos blogs de fotógrafos, si no agarras la cámara y te pones a disparar, jamás lograrás hacerlo con maestría.
Pero no sólo se trata de hacer clic. Hablamos de que cada disparo debe acompañarse de una intención muy clara Y que debemos buscar dominar distintas técnicas para no caer en la monotonía.
A continuación te proponemos algunos ejercicios fotográficos para que explotes tu creatividad al máximo y para que mejores tu técnica.

Humo
Fotografiar humo nos ayuda a entender más profundamente el concepto de contraluz y te servirá para practicar el uso del flash.
Haremos un pequeño estudio casero: primero asegúrate de tener todos los materiales: tu cámara fotográfica –de preferencia con un objetivo macro–, un tripié, una tela o fondo negro, varitas de incienso, una mesita, cartulina negra y un flash externo.
Coloca el tripié con la cámara, el flash irá por un lado del incienso, formando un ángulo de 90º con la cámara, de modo que ilumine al humo lateralmente y no aclare el fondo. También puedes colocar una cartulina negra entre el flash y la tela negra para evitar que se ilumine el fondo.
Cierra las ventanas para que no haya corrientes de aire. Enfoca manualmente, pon el ISO lo más bajo posible y el modo en prioridad de apertura (de preferencia entre 8 y 9 de diafragma). Dispara varias veces y ajusta los parámetros de la exposición hasta lograr el efecto deseado.
Convierte el agua en seda
Esto lo lograrás en algún cuerpo de agua en movimiento como un lago, el mar, un río, una cascada o incluso en una fuente.
En primer lugar, no lo intentes a plena luz del día porque las fotos te van a salir sobreexpuestas, y si lo haces, utiliza un filtro de densidad neutra para oscurecer la escena y poder hacer una exposición más larga. También es importante que sea un escenario donde no haya altos contrastes, es decir, sombras y luces muy intensos.
Baja el ISO y cierra el diafragma lo más posible, es indispensable que apoyes tu cámara en un tripié porque trabajarás con velocidades de obturación muy lentas (de 30 segundos o más) y cualquier vibración puede arruinar tu toma.
Respecto al lugar, aunque el agua es tu protagonista principal, cuida los fondos y el encuadre, analiza bien el entorno y colócate en el mejor sitio.
Una opción es colocar el tripié adentro del agua, con la cámara en una posición baja y usar un gran angular para darle al espectador la impresión de que está dentro del agua.
En el caso de los ríos, es mejor tomar el agua viniendo hacia nosotros que yéndose. También es interesante ver el efecto del agua envolviendo las rocas.
Haz una serie
Este ejercicio es para trabajar tu creatividad a partir de la técnica y el tema que tú elijas. Suena sencillo, pero muchas veces somos incapaces de asociar un grupo de fotografías a una misma idea y de llevar un hilo conductor bien definido.
Pero ojo, es importante que no confundas una serie con una secuencia. Además, es necesario que te documentes textual y visualmente sobre el tema y que definas tu serie en papel (e incluso que bocetes) antes de lanzarte a disparar: ¿cuál es tu leitmotiv?, el título, establece qué técnica y estilo vas a utilizar, etc.
Gotas de agua
Captar una gota de líquido cayendo sobre otro líquido o algún objeto es una buena práctica para aprender a controlar la velocidad de obturación y la iluminación.
Necesitarás un tripié para montar la cámara y mantenerla en un punto fijo, una fuente de luz intensa (de preferencia un flash remoto), un fondo uniforme, un vaso de agua lleno a rebosar y algún objeto desde el que goteará el agua (puede ser una botella o bolsa de plástico con un agujerito o una tela mojada montados en algo para que no se mueva de lugar).
Enfoca la cámara al punto en el que cae el agua y mantén el enfoque automático desactivado. Una manera de enfocar fácilmente es colocar un lápiz justo en el punto en el que caerán las gotas.
Coloca tu cámara en modo manual y ajusta el disparo a 1/1000 seg. para poder congelar el rebote del agua. También coloca el flash por un lado del vaso, a unos 45-90º. Ahora sí, lo único que requieres es paciencia hasta lograr la foto deseada. 
Clave alta y clave baja
Una de las técnicas más efectivas para lograr generar ciertos tipos de sentimientos con una foto es la conocida como clave alta/clave baja. Con la primera podrás transmitir sentimientos positivos de paz, felicidad, ternura, y con la segunda logramos cierto aire dramático, de intriga, misterio, tristeza.
Las fotografías en clave alta son ideales para fotografiar niños, bebés, retratos femeninos, parejas, bodas, desnudos o flores. Para tomarlas vas a necesitar mucha, mucha luz. Además del flash que decidas usar para iluminar al sujeto, también será útil que te apoyes en una o dos fuentes de iluminación continua y en otro flash para iluminar el fondo.
El fondo debe ser blanco y la cámara debe estar en modo manual, a una apertura grande (f/5.6 o f/3.5) y con el ISO al mínimo (100). Sube la exposición a +2 EV.
Necesitas un tripié porque es mejor usar velocidades bajas, por lo que sería ideal que el sujeto se mantenga quieto.
Finalmente, en postproducción puedes dramatizar un poco más el resultado disminuyendo la saturación e incrementando la luminancia, pero todo depende del resultado que desees.
Las fotografías en clave baja se llaman así porque en ellas predominan los negros y las sombras, es decir, cuentan con una mayor distribución de tonos en la parte baja del histograma.
Para este tipo de fotos es indispensable contar con un fondo negro plano, sin relieves ni brillos. La luz debe estar distribuida estratégicamente, dirigiéndola sólo a las zonas que deseamos resaltar. De preferencia hay que usar un flash remoto.
Debemos evitar iluminar el fondo y trataremos de concentrar la luz mediante un snoot, un paraguas plateado a medio abrir, cortadoras o cualquier otro medio que nos permita concentrar la luz en un punto en específico.


Utiliza una velocidad de obturación alta y cierra el diafragma.
Otro aspecto muy importante es cuidar la postura del sujeto, presta mucha atención a los detalles de la cara y manos, ya que dejaremos en la oscuridad varias partes del cuerpo. Para ello deberás hacer varias tomas hasta lograr el efecto perfecto.
Ahora sí, tienes tarea para rato. La realización de cada uno de estos ejercicios requiere de planeación, tiempo y paciencia, pero dominarlos representa un gran avance en tu proceso de aprendizaje o perfeccionamiento fotográfico. ¿Estás listo para disfrutar de tus nuevas aventuras visuales? 

miércoles, 15 de julio de 2015

El arte de la fotografía de moda

La fotografía de moda implica mucho más que ropa y caras bonitas, requiere de un fotógrafo muy creativo para preparar la escena y dirigir la sesión, además de un dominio excelente de las técnicas de retrato e iluminación.

Cuando se menciona el término “fotografía de moda”, muchos piensan en un mundo glamoroso, pasarelas, ropa chic, joyas, accesorios, maquillaje, modelos hermosos e, incluso ahora, alguna rellenita sexy abanderada de los defensores de las curvas.
Sin embargo, quienes están un poco más relacionados con el tema, pensarán también en cámaras, flashes, rebotadores de luz, dirección de modelos; en la intervención de estilistas, maquilladores y, en algunos casos, de productores e innumerables horas de retoque fotográfico, además de la necesidad de crear un concepto o incluso contar una historia.
La fotografía de moda implica mucho más que ropa y caras bonitas, requiere de un fotógrafo con inmensa creatividad para preparar la escena y dirigir la sesión. Además, debe poseer un dominio excelente de las técnicas de retrato e iluminación y la capacidad de provocar en el espectador una reacción o un sentimiento que puede ser, por ejemplo, de admiración, deseo o incluso repulsión.
A continuación, le damos algunos consejos técnicos y prácticos con los que, de la mano de su propia creatividad, podrá comenzar con el pie derecho en la fotografía de moda.

Busca referencias
A ningún artista le viene la inspiración de la nada. El fotógrafo debe documentarse, buscar referencias, ver desde lo que los grandes fotógrafos hicieron en el pasado, hasta lo que se está realizando en la actualidad. Incluso, puede tratar de imitarlos para adquirir un mejor dominio técnico y comenzar a desarrollar un estilo propio.
Vea el trabajo de Julia Margaret-Cameron, quien no pretendía ser fotógrafa de moda, pero marcó una pauta para otros como el barón Adolphe de Meyer, el “Debussy de la fotografía” –según Cecil Beaton– quien fue el primer fotógrafo contratado por la revista Vogue de 1913 a 1921.
Observe las  imágenes de Beaton, Ellen von Unwerth, Annie Leibovitz, Helmut Newton, Bruce Weber, Irving Penn, Peter Lindbergh, Patrick Demarchelier, Richard Avedon, Guy Bourdin, Steven Meisel y Mario Testino, entre otros, y percátese de la enorme cantidad de posibilidades que le da la fotografía de moda, aspire a ser como ellos y no se conforme con una buena pose y una iluminación impecable, ya que eso es para los fotógrafos “del montón”.

Planeación
Antes de cualquier sesión, debe hacer un trabajo de visualización de lo que quiere lograr y tener bien claro cuál es el o los elementos a resaltar: joyas, zapatos, ropa, maquillaje, el o la modelo, un lugar, un concepto, un estilo de vida, un sentimiento, etc. Así le será más fácil decidir cómo va a coordinarse con su asistente y con quienes se encarguen de maquillaje, vestuario, peinado, mobiliario y demás asuntos. ¡Delegue responsabilidades! Créalo, tratar de hacerlo todo no es una buena idea.
Debe saber qué tipo de personaje requiere de acuerdo con lo que pretende transmitir. Si planea hacer este trabajo de forma más profesional, es buena idea estar en contacto con agencias de modelos y revisar los portafolios. Si no conoce al modelo, procure hacerlo días antes de la sesión para evitar sorpresas desagradables.
Si es principiante, tal vez aún no cobre suficiente como para contratar modelos profesionales; en las escuelas de modelaje y en las agencias siempre habrá modelos que también estén empezando y que requieran fotografías para su book. Negocie con ellos y llegue a un acuerdo de intercambio para que ellos no le cobren por la sesión ni usted por las fotografías que les tomará y editará para su portafolio.

Puesta en escena
Los modelos deben posar ante la cámara en escenarios cuidadosamente planeados. Si la sesión será en estudio, tenga bien claro el tamaño del set, la escenografía, el tipo de iluminación que utilizará y los accesorios y complementos que le podrán servir.
Si será en una locación, deberá visitarla, ver cómo se comporta la luz en distintos horarios (si es en exterior), recorrer cada rincón para ver qué le es útil, localizar los contactos de luz y determinar si será necesario usar algún generador o planta de luz.
Si su escenario será algún edificio o monumento histórico, la Ley Federal de Derechos establece que debe tramitar un permiso con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (consulte la página www.tramites.inah.gob.mx/).

Iluminación
Este punto es esencial en la fotografía de moda. Al principio requiere de una planeación minuciosa, y ya que la dominemos muy bien, entonces podremos dejar un poco a la intuición.
A menos de que desee lograr algo muy dramático o contrastado, lo mejor es trabajar, por lo menos, con una luz principal y otra de relleno. Sin excepción, tendrá que aprender a utilizar los flashes remotos.
Estudie, investigue y practique mucho. Al principio, pídale a amigos y familiares que posen para usted, así sabrá cuál es el efecto que logrará al colocar las luces en determinado lugar o al darles una intensidad específica.

Durante la sesión

El tiempo vale oro, sobre todo si está rentando un estudio o pagando a los modelos. Por ello, antes de la sesión, repase detalladamente todo lo que necesita, cómo montará el set, cuál va a ser el orden del vestuario, etc.
Siéntase seguro de sí mismo, sobre todo al momento de dirigir a sus modelos. Ellos deben sentir que sabe lo que hace y lo que piensa lograr, de lo contrario terminará tomando las fotografías que ellos quieran o acabarán por dirigirlo a usted.
Experimente con varias distancias focales, pero tome en cuenta que para evitar deformaciones es recomendable usar de 50 mm en adelante, a menos que lo que quiera sean imágenes distorsionadas, pies, cabezas o narices grandes, personas gigantes… usted decide.






El retoque
Después de la sesión le espera el trabajo de escritorio. Si no planeó bien su sesión, puede ser que tenga cientos de fotografías entre las que tendrá que elegir tal vez sólo cinco, y eso puede llevarle más tiempo del que imagina. Después viene el retoque, que puede ser desde una simple corrección colorimétrica o de contraste, hasta todo un trabajo de intervención sobre la foto original: quitar arrugas o manchas en la piel, eliminar celulitis, adelgazar o aumentar ciertas partes del cuerpo, hacer montajes, poner filtros y efectos… en fin, el trabajo de edición puede ser un arte aparte.
Finalmente, organice todo el material, elimine lo que no le sirva y clasifique sus fotografías desde el principio para que, con el paso del tiempo, tenga un archivo fotográfico bien hecho y en el que pueda encontrar las imágenes sin complicaciones. No lo olvide, para un fotógrafo es muy importante ser ordenado, previsor y, sobre todo, dueño de una imaginación muy inquieta.



Las fotografías se usan unicamente de manera ilustrativa, con fines periodísticos

lunes, 13 de julio de 2015

Formato RAW, JPG, PNG, TIFF, GIF o BMP ¿por qué usar el correcto?


En la actualidad, podemos almacenar o trabajar con nuestras imágenes digitales en distintos formatos que nos sirven tanto para imprimirlas, como para hacer diseños, retocarlas, almacenarlas e, incluso, para tener en cuenta al momento de la toma o del escaneo.

formato Jpg vs Raw

Podríamos distinguir a cada formato por cómo fue creado, con qué equipo se maneja, su uso y el soporte en el que se almacena. No obstante, el punto que más debe interesarle al fotógrafo es la calidad de imagen que permite cada uno. 
Recordemos que el objetivo principal de la compresión es reducir el peso de la imagen para permitir que su manejo, almacenamiento, transmisión o descarga sean más eficientes. Asimismo, la compresión de la imagen puede ser con pérdida (lossy) o sin pérdida (lossles).
Los tipos JPG, PNG y GIF son los formatos de archivo comprimido de imagen más populares. Por el lado de los no-comprimidos, el más popular es el RAW, y también está el TIFF, que permite ambas opciones.
Elegir entre un formato comprimido o sin comprimir es un asunto que merece atención, puesto que además de influir en el peso del archivo, y con ello, en su manejo y almacenamiento, también tiene que ver con la calidad final de la imagen.

En esta ocasión, explicaremos cuáles son las características de los formatos de archivos de imagen más comunes y sus usos más frecuentes.

JPEG o JPG

El archivo JPG (join photographic expert group) es el formato de archivo de toma y almacenamiento de imagen más usado en todo el mundo. Generalmente, su compresión se mide de 1 a 12, que va desde la calidad más baja, hasta la más alta.

Cada vez que abrimos un archivo de este tipo, éste se descomprime por medio de algoritmos matemáticos que barajan la información para que pueda ser leído. Al cerrarlo, se comprime nuevamente. Cada vez que este proceso se repite, hay una pérdida de información en la fotografía y, por ende, de nitidez y detalle. Cuanto mayor es la tasa de compresión, mayor es el deterioro de las imágenes.

Procura no almacenar imágenes en formato JPG si piensas seguir trabajando con ellas, porque cada vez que abras el archivo, se va a degradar. Espera hasta que hayas terminado de editarlo. Además, si el archivo es importante o si le tienes cariño a esa foto, procura guardar el original en un formato libre de pérdidas como TIFF o BMP a su máxima profundidad de color.

TIFF
Las imágenes con formato TIFF (tagged image file format) son más usadas en el campo profesional por diseñadores y fotógrafos gracias a la opción de ser guardadas con o sin compresión. Muchas cámaras digitales permiten capturar las fotos en este formato, el cual es el más universal en el campo de las imágenes sin comprimir.

Tiene la ventaja de que utiliza profundidades de color desde 1 hasta 32 bits, lo que proporciona imágenes de excelente calidad, aunque produce archivos muy grandes.

BMP
Los archivos BMP (mapa de bits) son propios del sistema operativo de Microsoft Windows y permiten guardar imágenes de hasta 16,7 millones de colores (24 bits). Se les puede dar compresión sin pérdida de calidad. Estos archivos no son muy eficientes en cuanto a su uso de espacio en disco porque son muy pesados. La ventaja es que guardan gran cantidad de información de la imagen, aunque generalmente terminan transformándose en otros formatos como JPEG, GIF o PNG.

PSD
Este es el formato propio del programa PhotoShop®, que permite guardar las imágenes que han sido trabajadas junto con información como las capas, canales, selecciones, trazados, textos, recortes y diversos efectos.
Se usa principalmente para el retoque de gráficos y fotografías.

PNG
Este formato nació para sustituir a los archivos GIF, ya que utiliza buenos sistemas de compresión, no permite la pérdida de datos al comprimir y llega hasta los 24 bits de profundidad de color. Además, se muestra correctamente en los navegadores y es de uso libre. Su aplicación es cada vez más extendida en Internet y en publicaciones digitales.


PDF
Otro formato de Adobe es el PDF (Portable Document File), que ofrece distintas opciones de compresión y tiene la ventaja de que los archivos pueden transferirse fácilmente por Internet, pesan poco, son hasta cierto punto manipulables, representan una buena opción para la visualización rápida y se pueden guardar como modo exclusivo de lectura.

RAW
El formato RAW (“crudo”, en inglés) es el rey para muchos fotógrafos; para otros, es una aparatosa carga. Todo depende de cómo te guste trabajar y de qué tanto te interese corregir y editar tus fotos, ya que este es un formato de toma fotográfica que contiene la totalidad de los datos de la imagen como fue capturada por el sensor de la cámara y nos da la mayor calidad posible (permite una profundidad de color de hasta 48 bits).

Es lo más parecido a un negativo o a una diapositiva en fotografía análoga. El problema es que son archivos que ocupan mucho espacio y cuyo uso puede no ser muy rápido debido a la gran cantidad de información que contienen.

Para trabajar con estos archivos hay que pasarlos por un proceso de “revelado” en programas como PhotoShop® o Lightroom®, para hacerles (si se desea) una gran variedad de ajustes, tales como corrección de luces, sin afectar las sombras. También puede realizarse un balance de blancos, corrección de tonos o perspectivas y, finalmente, convertirlos a JPG o TIFF.

La idea no es tomar fotos malas o con los parámetros mal establecidos, pero si eso llegara a sucederte, el haberlas tomado en este formato puede ser tu salvación. Te permite rescatar del basurero un sinfín de imágenes sólo con mover algunos controles, ya no se diga si se trata de corregir sólo algunos detalles. Por ello, para muchos amantes de la perfección el peso del archivo no es un obstáculo, porque esa “molestia” se compensa al momento de comprobar la calidad de las imágenes, que llega a ser excepcional y nos permite imprimir hasta en formatos gigantescos.

La mayoría de las cámaras fotográficas profesionales cuentan con la opción de formato RAW, que en algunos casos se llama de modo distinto, como NEF, CRW, DNG, CR2, RWL, AWR, etc., dependiendo de la marca del equipo.

Ya seas un profesional de la fotografía o no, considera en qué formato capturas y almacenas tus fotos, ya que de ello depende el éxito del uso y manejo que quieras darles en el futuro.

Por último, no está de más recordarte que siempre guardes un respaldo de tus fotos, porque nunca sabemos cuándo tendremos que recurrir al archivo original, además de que las tendrás a resguardo contra cualquier eventualidad, como pueden ser el robo o la descompostura de tu equipo.